Apr
20
1:00 PM13:00

 "To parallelle linjer møtes" Malerier av Jørgen Herleiksplass Lie

Åpning lørdag 20.04.2024 kl 13:00

Maleriene til Jørgen Herleiksplass: å se forbi representasjon
Hvis du skviser øynene sammen, kan Jørgen Herleiksplass Lie sitt maleri "Noe som bryter med en avspent bue" leses som en detaljert studie av et øye. Der, øverst, ser jeg en uttynnet pupill, deretter en rik, dyp iris som stråler ut fra den. I det minste er det det jeg ser – du kan kanskje se noe annet, eller kanskje har jeg nå plantet denne ideen i hodet ditt, slik at du også bare kan se et øye.
Med mindre du har studert optikk, er øyet en magisk innretning. En liten kapsel som ustanselig samler informasjon og pumper den inn i og rundt hjernen – som deretter gir tilbakemelding, og gir forslag om hvor øyet bør bevege seg til og samle informasjon fra neste gang. Alt skjer tankeløst, men hver mikrotransaksjon av informasjon mellom øye og hode har kosmisk potensial. Og når øyet er lukket – i dypeste søvn eller mørkeste natt – samler det fortsatt, og med fraværet av en euklidsk verden å forstå, blander vår fantasi seg med etterbilder, tilbakeblikk og hver glimt av lys som finner veien til netthinnens fotoreseptorer.
Likevel virker verden rundt oss solid og diskuteres som om vi alle ser det samme, som om alt av form, farge og form er felles lest og uforanderlig faktum. Der, i vinduet, er en fugl. Vi ser alle den samme fuglen. Det er en fugl. Men du og jeg vil ikke se den på samme måte. Kanskje det er to fugler, eller mange fugler.
Herleiksplass Lie sine malerier kjemper mot slike enkle sannheter om synlighet. Jo lenger man stirrer inn i bildene hans, og leter etter representasjonell mening og form som skal avsløre seg fra tekstur og farge, jo mer åpenbarer det seg bare et kosmos av muligheter. Prøv dette eksperimentet. Stå ved siden av noen og tilbring fem minutter med å se inn i det samme maleriet. Snakk deretter med hverandre og forklar hva du så, du vil ikke ha sett de samme sannhetene.
Kunstneren er medskyldig i denne oppløsningen av enkeltsannhet. Hvis det var et opprinnelig objekt eller person som maleriets primære kilde og sannhet, er representasjonen tapt innenfor et malt kompresjon av andre sannheter, en lagdeling så dyp at det nå virker umulig å skille dem fra hverandre i konstituerende sannheter. Herleiksplass Lie sine abstraksjoner og deformasjoner inneholder et hvilket som helst antall sannheter du måtte ønske å forestille deg, med rorschachisk potensiale.
Et annet maleri bærer tittelen "To parallelle linjer møtes". Det er umulig, tenker du kanskje, for to parallelle linjer å møtes, ikke minst innenfor et lerret som ser ut til å inneholde ingen rette linjer i det hele tatt.
Hulekunstnere – som de som monterte en utstilling på veggene til Chauvet-hulen omtrent 33 000 år før Herleiksplass Lie – tegnet representasjoner av dyr fra sin verden som overlappende former, en virvel av skapninger som komprimerer sted, tid og bevegelse. Skvis øynene sammen og se på Herleiksplass Lie sin "Ny form, gammel hund". Kan det være en Chauvet-lignende geologisk overflate der den gamle hunden former nye former? Det var ikke før rundt 1420 e.Kr. og Filippo Brunelleschis eksperimentelle tegninger av renessanse-florentinsk arkitektur at prinsippene for perspektivisk representasjon ankom, senere utviklet av Leon Battista Alberti – som hadde studert optikk – til matematiske modeller. I praksis hadde de to skapt en måte der to parallelle linjer faktisk møtes. Renessansens perspektiviske logikk ikke bare påla strukturelle systemer av syn på kunst og arkitektur, men gjennom det kunne både verden og dens innbyggere betraktes innenfor en forent scene som var avhengig av et enkeltstående synspunkt og absolutt sannhet. Nå, mer enn noen gang, gjennom hele verden, vet vi at en slik ensretting ikke er tilfelle, verken politisk, sosialt, miljømessig, strukturelt – og kanskje visuelt – de perspektiviske parallelle linjene blir priset fra hverandre.
Herleiksplass Lie sin serie av trykk bærer en felles tittel "Merknader om hvordan du kobler øynene til innsiden av hodet". For et øyeblikk, glem at dette er kunstverk, heller se på dem som eksperimentelle tegninger som jobber med å oppheve Brunelleschis geometriske stivhet, som en serie matematiske diagrammer for å hjelpe til med å oppheve renessansens forutsetninger for å se, for å skille de parallelle linjene fra hverandre og vende tilbake til hulene. Kanskje er Herleiksplass Lies malerier invitasjoner for oss til å se på nytt, gjennom primære eller mer sanne midler, uten frykt for avvikende tolkninger eller ideer.
Kanskje gjennom dem kan vi observere ulike synspunkter, sannheter og måter å se bortenfor representasjon på.

Hjertelig Velkommen!

Galleriet holder åpent for utstilling fra 20.04 til og med 12.05.2024
Lørdager og søndager kl. 12:00 – 16:00

Åpner også etter avtale

View Event →
Mar
16
to Apr 14

Natasja Askelund, malerier

Foto: Marie Von Krogh

Bli hos meg

«I løpet av tiden det tok å skrive denne setningen døde noen, noen ble født, et språk forsvant, en masseskyting skjedde, en skogbrann begynte, et insekt ble knust, en idé ble frambrakt.
Bildene mine er en presserende oppfordring om å leve. Et urbrøl. Vær her nå. Opplev dette. Føl dette. Bildene mine er av blomster, men de handler ikke om blomster; de handler om å leve og dø.»
(Cig Harvey, britisk fotograf)

-       Det handler ikke om meg, ikke om ansiktet mitt, ikke om rynkene mine, ikke om oss, men om at livet egentlig ikke er mer enn dette. Og jeg vil så gjerne kjenne på det. At jeg har så liten tid. Og jeg er så redd. Hele tiden er jeg så redd.
Ordene er Natasja Askelunds. Året har gitt opplevelser hun gjerne skulle vært foruten.

Askelund maler portretter. Noen vil si selvportretter. Når det er sagt; Speiler ikke alle portretter de erfaringene vi har gjort oss og den forståelsen vi har av det å være menneske? At vi egentlig maler oss selv når vi maler andre?
Vi har gjort det til alle tider. Fra håndavtrykkene i hulemaleriene, til barnet som trykker en håndflate med maling på et papir. Det er oss selv vi avbilder, vårt eget avtrykk vi etterlater.

Kanskje.

Askelund startet dette utstillingsprosjektet med å ville male kjærligheten. Den hverdagslige, den med stor K. Ønsket sprang ut av frykten for å miste ankerfestet i livet, da mannen ble syk og hun var redd for at han skulle dø. At livet - det vakre, kjedelige livet - skulle opphøre i den formen hun kjente til. At livet ikke var stabilt, hverdagen ikke sikker. At barna, mannen...
Hun kjenner fortsatt på frykten, desperasjonen. Hun er redd, hele tiden redd. For å miste, for ikke å forstå - ikke å ha forstått.

Det er ikke døden som skremmer Askelund. Hun er heller ikke så redd for å bli alene. Men hun er redd for å ikke bruke tiden hun har til rådighet. For å ikke få med seg det som betyr noe; Morgener, kaffe med melk, ektemannens pust når hun våkner hver eneste natt klokken fire. Varmen i sengen når hun legger seg igjen etter å ha vært på do. Det hverdagslige. Livet.

Hun bader hver dag.
Høsten kommer snart.
Hun vet at høsten kommer.

Natasja Askelund er en uforutsigbar kunstner. Hun fornyer stadig sin motivkrets, og også måten hun maler på. Verkene er intense, som om det hele tiden står noe på spill. Noe presserende viktig skal formuleres. Det gjelder det hun ønsker å formidle, men også måten hun behandler temaet på. Det insisterende uttrykket.

Portrettene stirrer på oss fra alle veggene i gallerirommet. De store formatene og repetisjonen av motivet forsterker opplevelsen av desperasjon. Vi konfronteres med kunstnerens og vår egen grunnleggende ensomhet, med alvoret i situasjonen.

Numne blikk og munner uten smil. Ansikt og kropp bak hår i mangefargede striper. Som en foss eller et slør, noe å skjule seg bak, som beskytter. Som hindrer andre i å komme for tett på. Eller like gjerne et stengsel, noe som ikke lar henne se, som umuliggjør kontakt?

Portrettet – og da især selvportrettet – er grunnleggende sett en erkjennelsesform. En avbildning av ansikt og kropp, men også av hvordan vi forstår oss selv og oss selv i verden. Vi ser og blir sett, refleksjon og selvrefleksjon. Øynene mine møter øynene i portrettet, og grensen mellom meg selv og den avbildede blir flytende, som i et speil. Jeg får noe å føle og tenke over.

 

Portrettene henvender seg til oss med eksistensielle spørsmål. Om livet, døden og alt som ligger imellom. I det vi ofte - litt nedsettende - kaller hverdagen, hva har egentlig betydning? Askelund selv har funnet svaret i det nære. Hun antyder at vi rører ved det edleste i oss selv, når vi stryker vår elskede over kinnet. Kunsten hennes forteller at innsikten har hatt en pris.

Er det banalt? Ja, i den forstand at ordet banalt peker på det hverdagslige, det vi vanligvis ikke tillegger betydning. Men dette vi vanligvis ikke tenker så mye over, er grunnvollen i våre liv. Når den rystes, rystes vi også følelsesmessig og mentalt, og vi erkjenner at vi kan ha mye å miste.

Og langsomt blir ingenting som før.



Natasja Askelund er utdannet ved Vestlandets Kunstakademi, Bergen, og Koninklijke Academie Van Beeldende Kunsten, den Haag og bor i Stavanger. Hun hadde sin første separatutstilling i 1992 på Hå Gamle Prestegard og har siden hatt en rekke separatutstillinger ved sentrale gallerier over hele landet, som Galleri Opdahl, Galleri Brandstrup (i Oslo og Stavanger), Galleri LNM, Galleri Gann, Nord-Trøndelag fylkesgalleri, Hå gamle prestegard, Haugesund billedgalleri, Christianssands Kunstforening. Deltatt på flere viktige gruppeutstillinger: Haugar Kunstmuseum, Drammen museum, Aberdeen Art Gallery, Høstutstillingen (Kunstnerens Hus), LNM, Galleri Opdahl. Representert i Nord-Trøndelag fylkesgalleri, Hordaland internasjonale fylkesgalleri, Aberdeen Art Gallery, Statoil Art Programme, Stavanger Kunstmuseum. Innkjøpt av Norsk kulturråd, UIS, Stavanger, Esso Norge AS, ordføreren og rådmannens kontorer, Stavanger.



Tekst: Karin Sunderå

View Event →
Feb
16
to Mar 9

Videoinstallasjon av Eli Mai Huang Nesse

Vernissasje 16. februar kl. 18.00

Performance av Jo Mikkel Sjaastad Huse kl. 19.00 
Opent kvar helg kl. 12.00 - 16.00
17. februar - 10. mars

Berre ein stein

Korleis forheld ein seg til at alt plutseleg kan rase saman? Eli Mai Huang Nesse presenterer videoverket Berre ein stein – ei samling anekdoter frå menneske som bur i område utsatt for steinras. På vernissasjen viser Jo Mikkel Sjaastad performancen Tiny Rock Karaoke! Ein stein byrjar plutseleg å synge, før var den eit fjell, men no er den her – ved eit gamalt gårdshus i Bergen. Finst det ei meining med steinen sin eksistens? Den veit ikkje, den har ikkje peiling.

ENGELSK:

Opening 16th of February at 18:00
Performance by Jo Mikkel Sjaastad Huse at 19:00 
Open every weekend from 12:00 - 16:00
17th of February - 10th of March

Just a Stone

How does one deal with an overhanging risk of everything falling apart? Eli Mai Huang Nesse presents the video work Just a Stone - a handful of anecdotes from people who live in areas prone to rockslides. At the opening Jo Mikkel Sjaastad will show the performance “Tiny Rock Karaoke!”. A rock suddenly starts singing, it was a mountain but now it's here – by an old farmhouse in Bergen. Is there a purpose to its mere existence? It doesn't know, it has no idea.

 
 
 
 
View Event →
Jan
20
to Feb 11

Malerier av Wim van den Toorn

Åpning lrdag 20.01.2024 kl 14:00

Minikonsert av pianist Torgeir Kinne Solsvik.

Deretter omvisning av Wim i utstillingen

Hjertelig Velkommen!

Fra stranden

Siste dag søndag 11. februar kl 16:00
Åpen hver helg fra 12:00 - 16:00

Wim van den Toorn er en nederlandsk maler bosatt i Tørvikbygd i Kvam. I 2008 flyttet han med samboer fra Amsterdam til Kvam i Hardanger.

«Det er hovedsakelig mitt nærområde i Hardanger som er motivet. Mens jeg er bevisst av dagens store spørsmål og trusler angående naturen, fokuserer jeg på det tidløse i landskapet.

Jeg maler min utsikt fra huset. Lyset, skyer, måne og solen som beveger seg over fjellene på oversiden av fjorden eller speilinger i vatnet som ligger foran huset. Noe ganger også lengre vekk.

Det er ånden av landskapet med alle sine farger og sterke stemninger jeg prøver å fange i maleriene. Landskapet der vi har valgt som vårt hjem».

View Event →
Nov
23
to Dec 10

Myldreutstilling 2023


kunstnere Med tilknytning til galleriet og Bergensområdet.

Fra opphengingen

53 kunstnere stiller ut sine verk på årets Myldre-/juleutstilling.

Vi har åpent:

Torsdag 23.11 fra 18:00 - 20:00 

Fredag 24.11 fra 16:00 - 19:00

Lørdag 25.11  fra 12:00 - 16:00

Søndag 26.11 fra 12:00 - 16:00

Lørdag 2.12  fra 12:00 - 16:00

Søndag 3.12 fra 12:00 - 16:00


Torsdag 7.12 fra 16:00 - 19:00

Fredag 8.12 fra 16:00 - 19:00

Lørdag 9.12  fra 12:00 - 16:00

Søndag 10.12 fra 12:00 - 16:00

View Event →
Oct
13
to Nov 5

Kolorarium av Ida Helland-Hansen

Kolorarium

sengetøy, silkepapir og linoleum


Tittelen henspeiler på et rart fargelaboratorium der både tekstil, papir og linoleum inngår.

Som brukt sengetøy. Vi tilbringer 1/3 av livet i sengen; blir født, sover, elsker, drømmer og

dør i sengetøyet. Et ladet materiale.

Med dette som bunn vokser mine fargecollager med silkepapiret som alltid følger meg.


Og linoleum. Etter en gulvutsmykning på Haukeland Sykehus har jeg fått sansen for linoleum.

Noe man vanligvis tråkker på. Eller trykker med. Men materialet i seg selv har en egenverdi.

Et naturmateriale med lange tradisjoner. Det kan løftes til vegg. Skjæres i, males på, klippes

og settes sammen på uvante måter.


Og underlig nok kan sengetøyet, silkepapiret og gulvmaterialet komme i dialog.

Ikke vet jeg hva de snakker om.

Åpning Fredag 13.10.2023 kl 18:00

Galleriet er åpent lørdager og søndager kl 12:00 -16:090
Åpner også etter avtale.

Det er viktig å spille på lag med humoren, innfallene, at tilskueren opplever en spontanitet, lekenhet, letthet i det hun gjør. Det vil ikke dermed si at det ikke er rom for alvor og ettertanke.

View Event →
Sep
16
to Oct 8

Hedvig Thorkildsen og Daniel Persson

Nedfallsfrukt er gravitasjon i praksis. Nedfallsfrukt er også død.

Nedfallsfrukt har en resonans som både klinger naturlig og unaturlig.

Naturlig at alt går sin gang, som frukten som vokser seg større og større for så å bli så tung at den faller til marken. Unaturlig, på samme tid, at ingen har plukket den før den faller. Fra et menneskes perspektiv altså.

Prosjektet Nedfallsfrukt er et forsøk på å problematisere vår samtid, om bruk og verdi. En metafor som både kjennes aktuell på et globalt plan, men som også knytter sammen Persson og Thorkildsen sine respektive kunstnerpraksiser, med gjenbrukbare materialer og jordfargepigmenter.

De siste årene har arbeidene deres spisset seg mot et non figurativt uttrykk hvor de undersøker overflater og materialitet, med referanser til både landskap, natur og arkitektur.

Utstillingen er støttet av:

BILLEDKUNSTNERNES VEDERLAGSFOND

 

KUNSTSENTRENE I NORGE

View Event →
Aug
19
to Sep 10

"Artefakt-naturen genskabt” av Britt smelvær

Dette værk ” Rimfrost over jord” danner udgangspunkt for min udstilling ”Artefakt-naturen genskabt” i Galleri Christinegaard

 

ARTEFAKT NATUREN GENSKABT

Utstillingen jeg viser ble lavet til Kunstetagerne i Hobro.DK  2022
Henover året 2022 ble utstillingen og fortellingen til.

”LABORATORIUM FOR EN AMATØRBIOLOG” ble en meget passende arbeidstittel på tilblivelsen av utstillingen.

Jeg har en bakgrunn som tekstilkunstner og væver. Dette kan spores i mitt kunstneriske arbeide hvor der kan spores et behov for orden. Det har jeg funnet i geometrien og ornamentets verden.

Jeg er norsk og har en sterk tilknytting til naturen. Dette kan også ses i mine verk. Min fasinasjon av natur har utartet seg ved LandArt og ved å bruke naturen direkte i mine verker. I min sammenslutning Transit og i utsmykkinger i offentlige bygninger har store installasjoner vert mit serkjenne. 

Jeg har i de siste år vært optatt av nye teknikker innenfor grafik og her er det mye å utforske og å lære. En ny verden har åpnet seg for meg og jeg går gladelig derinn. Grafiske teknikker sammen mit forhold til natur, foto og broderi gør at jeg ikke bliver arbeidsløs med det første.

Jeg oppholdt meg hele sommeren i et lille geografisk område på Langeland.DK der jeg brukte floraen rundt meg. På mine vandringer sanket jeg frøkapsler og planter. Disse blev til masse små skulpturer. De blev malt hvite og sat på sokkel. Planter fra haven ble overført til sting på gamle håndklær og satt under glas i rammer.

På utstillingen viser jeg to værker ”Rimfrost over muld 1” og ”Rimfrost over muld 2”. á 150 x 100 x 20 cm. Bildene har en malt bunn. I lag med laserskåret plexiglas, grene og blad fra naturen dannes rummet i kasserne.

”Rimfrost over muld 1” ble printet til et stort lerrets flak som vil vises på utstillingen.

På en smal hylle vil jeg vise mine små hvite skulpturer. Hyllen bliver evt. malt i den turkise farve som ligger i det store print.

Broderierne bliver vist under glas med sorte rammer.

5 collografier med bladmotiv samt små plexiglaskasser med objekter fra naturen. 


Utstillingen åpner også etter avtale. 93053229

Britt Smelvær

View Event →
May
20
to Jun 11

Festspillutstiller Arvid Pettersen, med maleri

ALL THIS WATER!

Åpning lørdag 20.05.2023 kl 18:00 – 20:00


Galleriet holder åpent for utstillingen fra lørdag 20.05. – 11.06.2023
Lørdager og søndager kl. 12:00 – 16:00

Åpent under festspillene også tirsdag til og med fredag fra 14:00 – 18:00

Alle kunstverk har en bakgrunnshistorie, og det samme gjelder for kunstutstillinger. Under produksjonen av disse maleriene til Galleri Christinegaard viste det seg at et nesten tredveårig preludium ble en del av bakteppe for utstillingen. I februar 1994 ble jeg av Henie Ohnstad kunstsenter sendt til Zimbabwe for å sjekke ut boniteten til skulptøren Nicholas Mukomberanwa (1940 -2002).Mukomberanwa var regnet som en av de ledene representantene for det som ble rubrisert som Shonaskulpur i Zimbabwe og initiativet ble initiert av et av de store norske industriselskapene med virksomhet i Zimbabwe. (Hvis jeg ikke husker feil var det Norsk Hydro)

Møtet med Nicholas Mukomberanwa ble en opplevelse og berikelse for meg som kunstner og person.Det utviklet seg til et godt vennskap og jeg hadde gleden av å besøke ham fire ganger i Zimbabwe. Han var en slik personlighet at når han kom inn et rom så var det som om selve solen var tilstede med klokskap og mild varme. Jeg besøkte ham i Ruwa nesten hver dag en ukes tid og samtalene dreide seg om kunst, tradisjon,historie, the spritual world, og om hvordan verden kunne endres til det bedre mens vi forfrisket oss med Castle eller Lions Lager. (Han likte godt et glass øl i solsteiken - og det gjorde jo jeg også) Han fortalte også om de 17 årene han hadde vært politimann i Harare, og som han sa det : I think I was a good officer – not so much on the arresting side. Very often for minor incidents I even let the guilty party go after talking to them strongly!

Møtet med Nicholas Mukomberanwa ledet til at han hadde en separatutstilling på Høvikodden i mai 94, og han oppholdt seg i Norge en tre ukers tid. Der finnes forøvrig flere skulpturer av ham i Oslo.

En glitrende, varm og strålende maidag kjørte vi ned til Østfold, for Nicholas ville se hvor Gustav Vigeland hadde tatt ut steinen til monolitten. Mens vi billedlig talt på silkeføre cruiset nedover i Østfold, en halv kilometer lavere enn fartsgrensen, kom det flere ganger utbrudd fra Nicholas: ` Oh – you`re so rich – you`re so rich! Jeg må jo innrømme at alt dette norske tok seg særdeles fordelaktig ut i formiddagsolens motlys, men den fjerde gangen han gjentok ` you`re so rich` svarte jeg nesten på grensen til irritasjon: `What do you mean Nicholas? ` Svaret kom kontant: `All this water – all this water!

Det var ikke den norske materielle velstanden han refererte til. Han hadde selv to koner, stor familie, hus, biler, assistenter og lærlinger og verksted på farmen han drev i Ruwa. Men der hadde de hatt tørke i fire år og strevd med å få berget noe av avlingene så han visste vel om vannets nødvendighet og betydning. Der vi kjørte frem var det sjøer, bekker, tjern og elver skinnende i sollyset bekreftende våre tilganger på det som virkelig hadde verdi.

I 2015 etter å ha produsert noen store malerier (myrbilder) med referanse til den aktuelle flyktningeproblematikken, begynte jeg på noen små studier med tema vann. Et con amore prosjekt uten andre tanker enn om hvordan vannet kunne gestaltes malerisk, om lysets refleksjon og vannets bevegelse. Disse bildene ble aldri ferdige, og de ble stuet ned i en kartong og plassert innerst på lageret og glemt. De dukket opp under en flytteprosess og da jeg fikk tilbudet fra Galleri Christinegaard om en utstilling ble de nok en gang tatt frem for ferdigstillelse .Etterhvert så jeg en sammenheng mellom Nicholas utsagn «all this water» og de små upretensiøse fiktive vannstudiene mine og så at her hadde jeg snublet over en overbygning for utstillingen som faktisk har en skremmende aktualitet samtidig som jeg i mitt indre hedret en gammel venn med takk for en viktig verdijustering.

AJP- 2023

View Event →
Apr
22
to May 14

Hatfuls, Capfuls, Three Bushel Bagfuls av Eleanor Clare og Dillan Marsh,

Grovt gjengitte fingermalerier og lyd skaper en stemning hentet fra sykluser av fortvilelse, hysterisk moro, dumhet, drukkenskap og edruelighet.

Marsh og Clare redigerer feltopptak fra fruktgårdene i Hardanger og henter inspirasjon fra folkeskikk som anerkjenner trusselen av motgang – som Wassailing – hvor et epletre mates med cider for å sikre en god høst. Dyrking av frukt og drikking av cider blir metaforer for fruktbarhet, degenerasjon og søken etter å overskride det jordiske.

Om:
Eleanor Clare og Dillan Marsh er kunstnerduo. De transponere og redigere bilder, objekter, tekster, performance, lyd og video fram og tilbake mellom hverandre. I feedback loop mellom hjerne og kropp, dytter tristhet internte væsker ute; eksternte stimuli som lyd utløser minner og emosjoner. Ubevisste impulser påvirker bevisst handling.

Støttet av Kulturrådet og Kunstsentrene i Norge

English:
Hatfuls, Capfuls, Three Bushel Bagfuls

Crudely rendered finger paintings and sound create an atmosphere that draws upon cycles of despair, hilarity, stupidity, drunkenness and sobriety.
Marsh and Clare edit field recordings from the orchards of Hardanger and take inspiration from folk customs that acknowledge the threat of hardship – such as Wassailing – where an apple tree is fed with cider to ensure a good harvest. The growing of fruit and drinking of cider become metaphors for fecundity, degradation and the search to transcend the earthly.
About:
Eleanor Clare and Dillan Marsh are an artist duo. They transpose and edit images, objects, texts, performed action, sound and video between each other. In the feedback loop between brain and body, sadness pushes internal liquids outside; external stimuli such as sound triggers memories and emotions. Unconscious impulses influence conscious action.
Supported by Kulturrådet and Kunstsentrene i Norge

View Event →
Mar
18
to Apr 16

Tekstil, installasjon og objekt av Aud Bækkelund

Flytende forhold

... om utryddelse og bevaring 

Aud Bækkelunds arbeid er påvirket av omgivelsene, både de nære fra levd liv, men også det uoverkommelig store som er vanskeligere å gripe. Ved å benytte seg av gjenbruk og ready mades, holder Bækkelund seg i en materiell assosiasjonsverden som er knyttet til sansing, minner, tanker om havet og en voksende økologisk sorg. En sorg over tilstanden i havet, og en sorg over insektene som forsvinner, og at naturen er i ubalanse. Handlingene våre i dag gir uforutsigbare resultat i framtida. Alt flyter og alt henger sammen med alt.

View Event →
Feb
17
to Mar 12

PHOENIX FUEl av Gabriel Kvendseth og Sarah Gilbert

MERK: Åpning fredag 17. februar kl. 18:00 - 20:00

In their duo show “Phoenix Fuel” Sarah Gilbert and Gabriel Johann Kvendseth juxtapose their tactile explorations of transformation, hoping that the whole becomes greater than the sum of its parts.

Gabriel Kvendseth
Foto av Pål Hoff

Sarah Gilbert

Sarah Gilbert is an artist and educator based in what is currently called Los Angeles, California (GABRILEÑO/TONGVA LANDS), where she is Assistant Professor of Sculpture at Pitzer College. Her work explores craft and collectivity— how the sticky relationality of material transformation can open spaces for thinking and feeling together in more-than-human worlds. Joining a wide range of materials and processes, her interdisciplinary practice draws on material memory and tensions between figuration and abstraction as springboards for contemplating our experience of time. Moving away from narratives of material mastery or maker-movement individualism, Gilbert's practice highlights the ethical particularities of encounters with difference, and the radical potential of embodied attunement to reorient us towards collective care.

Gilbert has exhibited widely throughout the United States and internationally. Recent solo exhibitions include BREAKING AND BENDINGat Reed College (Portland, OR), GOOSEBUMPS an interactive sound installation as part of the 7th Tallinn Applied Arts Triennial, Time Difference (Tallinn, Estonia), and TURNINGS at the Chrysler Museum of Art (Norfolk, VA). She has also participated in numerous group exhibitions, including WOMEN ON THE FENCE (Dessert Hot Springs, CA) and GENERIS01: COMMUNITY ASSOCIATION at the Bushwick Expo (Brooklyn, NY). 

 

 Gabriel Johann Kvendseth’s (b. 1984, Karlsøy/Gálsá, Norway) artistic practice encompasses sculpture, installation, performance and participatory situations. 

His work appears at the same time multifunctional and dysfunctional, oscillating between concrete prose and metaphor. Traffic across disciplinary borders is a leading trope. He frequently works with abandoned materials, which he manipulates idiosyncratically, often ending up with sculptures that resemble weapons, tools or ceremonial artefacts.

 

He has exhibited at Arkhangelsk Fine Arts Museum and Murmansk Regional Art Museum in Russia, Sámi Center for Contemporary Art in Karasjok, Nordic House in Reykjavik, Northern Norwegian Art Museum in Tromsø, Kristiansand Kunsthall, Kunstnerforbundet and Kunstindustrimuseet in Oslo, Kunsthall Oslo, KODE 2 and Kraft in Bergen. His work is represented in the collections of The Art Museum of Northern Norway; KODE1; Hordaland County; Narvik Municipality and The Faculty of Art, Music and Design at the University of Bergen. He lives and works in Bergen and is a graduate of the Bergen National Academy of Art and Design.

View Event →
Jan
21
to Feb 12

Judy Sirks Vevle med maleri, objekt og video

NEDSENKET I DET GRØNNE LYSET

EN dag tok jeg en avstikker fra turstien og inn i naturen. 

Jeg tegnet et lite kart i skisseboken. Et kart over hvordan jeg fant min egen vei. Jeg gikk langs et lite tjern, gjennom en mørk granskog, over en liten myr (ble våt på beina!), over noen store røtter, forsiktig tråkket jeg over en eng med hvitveis, en liten bekk på min venstre side, jeg fulgte bekken et stykke, så hoppet jeg over bekken nesten der den renner ut i tjernet. Jeg satte meg ned i gresset. Solen skinte, det var varmt. Jeg tok av meg skoene og sokkene. Stakk beina uti vannet, iskaldt. Høyt gress på andre siden av bekken, det hang ned i vannet og strømmen beveget gresstråene. Det var stille, men lyden fra bekken var konstant, beroligende. Lyset traff vannet, det glitret, glimret, flimret. Lys, atomer, energi. Jeg satt sånn lenge. Jeg så på alt rundt meg. Lyset skinte ned gjennom trærne.

Jeg så på alt rundt meg. Lyset skinte ned gjennom trærne. Jeg bøyde meg ned mot vannet; Jeg så mitt speilbilde, men jeg så ikke ansiktet mitt, bare konturen - og inni speilbildet av ansiktet så jeg bunnen av bekken. Steinene skinte som gull der nede under vannet og irrgrønne prikker lyste opp. Jeg oppdaget naturen på nytt og liksom senket meg ned i den.

Utgangspunktet for denne utstillingen i Galleri Christinegaard er å dvele i natur, ta inn naturens skjønnhet og tenke over min personlige opplevelse av natur. Men, det er også et annet aspekt; naturkrise, dystopiske følelser, sorg over tapt natur, tapt paradis.

 Forarbeidet til utstillingen har vært analytisk, men også intuitivt undersøkende; hvordan balansere det figurative versus abstraksjon? Kan jeg gjenskape eller omskape det vakre, det magiske lyset. Grønnfargen har blitt et bærende element i utstillingen. Jeg zoomer inn, og på lerretet blir små elementer i naturen forstørret. Hvordan virkelig SE og oppdage elementer i naturen, finne motiv og forstørre, forsterke. Jeg setter også sammen malerier i komposisjoner, der delene er utsnitt av et hovedmotiv. Komposisjonene kan settes sammen i samsvar med et gitt utstillingsrom og blir derfor stedspesifikke. For å skape en helhetlig opplevelse i gallerirommet har noen malerier fått en tredimensjonal form og video gir bevegelse og lys.

View Event →
Nov
17
to Dec 11

Juleutstilling 2022


 

38 Bergenskunstnere med en myldreutstilling

Anne Britt Lerøy Anne Sofie Soldal Anne Sophie Blytt Arvid Pettersen Birgit Eide Bjørn Kolbjørnsen Brynhild Winther Daniela Bergschneider Elke Karnik Gabriel Kvendseth Gunhild Sannes Gunnvor Olsen Ida Helland Hansen Inger Marit Saastad Inger-Johanne Brautaset Ingrid Berven John Audun Hauge Kari Aasen Karina Herteig Kristina Aas Kurt Johannessen Kyioshi Yamamoto Line Hvoslef Marianne Berg Marta Nerhus Olav Herman Hansen Rita Marhaug Rolf Monsen Sissel Blystad Suvi Nieminen Synneva Heradstveit Torill Nøst Torunn Brandanger Victoria Gouzikovski Vigdis Hareide William Nicolaysen Åse Ljones

View Event →
Sep
24
to Oct 16

Feltstudier med Helene Norseth & Håkon Holm-Olsen

«Feltstudier»

Helene Norseth & Håkon Holm-Olsen

 

Helene Norseth jobber materialbasert med abstrakte uttrykksformer i blandingsteknikker. Todimensjonalt, tredimensjonalt og i form av installasjon.

Håkon Holm-Olsen jobber med utgangspunkt i funnet fotografi som blir bearbeidet og satt sammen i nye sammenhenger i flere ulike medier, de siste årene med hovedvekt på collage.

 

Selv om arbeidene våre er ulike i uttrykk, har vi de også mange fellestrekk. Vi Jobber begge prosessbasert og intuitivt, med samling som utgangspunkt, og kombinerer todimensjonale flater med tredimensjonal form.

Utstillingen «Feltstudier» er et samarbeidsprosjekt der vi vil utforske hva som skjer når vi lar arbeidene våre gå i dialog med hverandre.

 

View Event →
Sep
15
to Sep 18

Her og Der: Kunstfestival, Rebel Architecture Lab

Rebel Architecture Lab: The habitat must be respected

Join us for the opening of THE HABITAT MUST BE RESPECTED by Rebel Architecture Lab Friday 16th of September at 17:00!

The Indoor installation is on view until Sunday 18 September.

Opening hours

16.09 17:00 - 19:00 Opening

17.09 12:00 - 17:00

16.09 12:00 - 16:00


In a move toward a more ethical and empowering embracing of interventional developments in the northern landscape, was started a research project “Northern Landscope: from Kirkenes to Kerkini”. Both sites are situated in the North (of Norway and Greece) and are connected with the invisible line - moving Dverggås bird. Being only 91 in the whole world, they are very free and very fragile. Their final destinations thought are also in a danger. Despite the geographical distance between the northern and southern poles of Europe, these sites that the birds inhabit are the northern edges of the two countries that face challenges. While mining action might start in an area very close to Kerkini, the Norwegian side is going to install a pipeline making it impossible for Tverggås to stay there.

But conscious position, regarding how we as humans should delicate the ecological balance, is happening through our living experience and care for the land.
Installation “The habitat must be respected” is telling the story in an immersive way. While weaving from reused found materials, the artists repeat the same gesture as birds do while creating their nests. The notion of ephemeral is one more time highlighted.

----
ABOUT

Rebel Architecture Lab is an artistic collective provoking action and thought at the intersection of architecture, arts, urban interventions, and social sciences. It is established by Alla Onopchenko & Ioulia Eleftheriadou and is based in Oslo.
After shared educational experience in Sweden and working in different cultural contexts such as Ukraine, Greece, and Norway, this partnership emerged from a common interest in addressing design as an answer to societal and environmental challenges. Important aspects of their work are engaging with context and creating bonds with communities in order to produce a site and situation-specific proposals, full-scale installations in the physical environment. They work through artistic experimental research, public events, and tactical interventions. They support green economies with timber construction and use recycled, reused, and low-emission materials.

View Event →
Aug
20
to Sep 4

The Place of Shade by Anthony Morton

The Place of Shade
Is open:
Saturday 27th. 13:00-19:00
Sunday 28th. 13:00-19:00

 Join us for an artist talk + wine
17:00 this Saturday 27th
14:00 this Sunday 28th

The Place of Shade

 

At first, the plan was simple – to be home by Christmas. To begin to view the very concept of home as built upon nostalgia. Imagining home is a pastime of any immigrant. If, as Breton suggests, ‘The imaginary is that which tends to become real,’ what were our imaginings bringing to life?   

 

The Place of Shade is an exhibition of artistic research into contemporary Norwegian culture in South Africa. Norwegians, began operating within the British colonial framework from around 1840—the same period as the migration to America. Lutheran missions, whaling, farming, business and family characterise this almost 200 year Afri-Norge diasporic heritage. It has been almost entirely overlooked in visual culture, until now.

 

Following the depletion of Whales in the Nordic seas, Norwegian immigrants almost single-handedly established the whaling operations in Durban from 1908 onwards. Their legacy remains an integral component of both the city and indeed the province's socio-cultural fabric to this day. With this in mind, we sought out the ghosts of Larsen, Hermansen, Egeland and more from New Pier to Kwambonambi; we found them.

 

The project is an act of psychogeography, insofar as it hinges upon ‘the study of the precise laws and specific effects of the geographical environment, consciously organized or not, on the emotions and behaviour of individuals.’ The images, paintings, film and text that make up the exhibition are the culmination of this process. The attempt by a disparate group of individuals, at once insiders and outsiders, to understand how legacy takes shape and how it has reshaped our understanding of Home.

 

By living with and meeting Norwegian decedents on their farms and homesteads this project was possible. We thank all who were so kind and eager to connect again with their roots.

 

Anthony Morton (artistic research director)

Anthony Charles Morton is a visual artist and researcher based in Bergen, Norway. His work currently focuses on the nature of image making. His art has been exhibited in Bergen, Shanghai, Cape Town, Johannesburg and Durban. In his practice, he makes art that tells stories with philosophical foundations. They tend to beg questions and he explores what can be drawn from them.

 

Ray Franz (writer and researcher)

Ray Franz is a writer based in Durban, South Africa and London, England. His work is centred on the legitimisation of imagined identities in a post-colonial context. The initial short stories in his forthcoming collection 'Myopia' have featured in New Contrast Literary Magazine and Kinda Weird Magazine respectively.

 

Jethro Westraad (documentary film maker)

Jethro Westraad is a filmmaker and lecturer from South Africa. His films deal with themes of home, memory, nostalgia and the family unit; exploring how domestic spaces reflect larger societal issues. While such topics may have serious undertones, Jethro is known for his distinctly humorous approach – rich with irony and satire – that relishes in the contradictions and complexities of modern day life.

 

Rupert Grantham (guide and researcher)

Rupert Grantham is a farmer and cultural expert based in Zululand, South Africa. Working in Vietnam for many years Rupert long had dreams of managing bands in South East Asia. Being the youngest of three sons, after an unexpected call, he returned to South Africa to take over the farm. His wish of working in the cultural field were fulfilled by the vibrancy of the fresh perspective he gained upon returning home.

View Event →
May
19
to Jun 12

Festspillutstilling med Kurt johannesen, Jan-Egil Finne og Pavana Reid

AD NATURAM

Kurt Johannessen (f.1960) arbeider med performance, bøker, video, teikning, grafikk og installasjon. Han vist sine performancer i Europa, Asia og Amerika sidan tidleg på 80-talet. Hans performancar  har ofte eit poetisk og minimalistisk uttrykk. Han har hatt utstillingar fleire stader i Noreg, blant anna Bergen Kunstmuseum og Kunstnernes Hus (2007) og i Kunstnerforbundet (2016). Han har gitt ut over 100 artists books. Sidan 2013 har mange av hans bøker (Om-noko) vært grunnlag for en serie performanceforedrag. Desse bøkene ligg i kryssingspunktet mellom filosofi/bildekunst/poesi/vitskap. I 2019 produserte  han utstillinga «Om lag 100 bøker – 1984-2019». Utstillinga vart fyrst vist i Kunstbanken i Hamar og har seinare blitt vist fem andre stader.

 

Jan-Egil Finne (f. 1980) er basert i Bergen og utdannet ved Kunsthøyskolen i Bergen. Han jobber med performance og skulptur. Lang varighet kjennetegner performancearbeidet. Han har vist arbeidet sitt i flere land i Europa, samt Russland og Thailand. Han utforsker mulighetene for samhandling og mening mellom kropp og objekter/materialer og bruker ofte materialer knyttet til naturen. Improvisasjon, oppmerksomhet og tilstedeværelse er viktige elementer i arbeidet.

 

Pavana Reid (f.1963) Khonkaen, Thailand og flyttet til Nord-Irland i 1988 i løpet av politisk problemene i Nord-Irland. Utdannet ved ved Ulster University, Belfast, Storbritannia 2006-2009. Pavana Reid jobber hovedsakelig med performance og performancerelatert foto og video, solo/kollektive, stedspesifikke og igangsetting av kunstprosjekter. Med utgangspunkt i identitetens kompleksitet - som individ, medlem av lokalt/globalt samfunn, undersøker hun identitet som en evig prosess innenfor bredere forestillinger om sosiale normer. Forestillingene hennes, handlingene hennes, er ment som fortellinger som møtes med betrakterens egne ideer for å bli en ny opplevelse.

View Event →
Apr
23
to May 15

naturfabuleringer av Anne Kari Amstein, Glenn Pedersen og David Amstein

Anne Kari Amstein

Glenn Pedersen

David Amstein

Galleri Christinegaard viser en familieutstilling med Glenn Pedersen, Anne Kari Amstein og David Amstein. De tar alle utgangspunkt i natur, men med veldig ulik tilnærming.

Glenn Pedersen viser tredimensjonale verk laget av ulike papirmaterialer og akvareller. Verkene er fabuleringer over former hentet fra naturen.

Anne Kari Amstein viser prosjektet «Møt en korall» som inneholder tre verk som er laget i håndlaget papir og søm. Arbeidene er metaforer for ordløse fortellinger, hvor mennesket og natur står i sentrum. «Jeg søker en fysisk tilstedeværelse gjennom materialet, og hvordan det brukes, og tenker fysisk kontakt som en vei til mental kontakt».

David Amstein viser tegninger som er laget med pensel og tusj. Tegningene er reiser i ulike landskap, som er bygd opp av et konglomerat av ornamentikk, hvor bilder fra eventyr og kunsthistorien snirkler seg frem.

Utstillingen er støttet av:

View Event →
Mar
12
to Apr 3

En Annen Dag av Petra Rahm

Jeg våkner tidlig

i timen før soloppgang


En svarttrost synger i bakgården

litt tidligere for hver dag


Trostesang

Trøstesang

 

Utstillingen En annen dag tar utgangspunkt i livet i en bygård: hverdagen, felleskapet, det som binder oss sammen og det som skiller oss ad.

———————————————————

Petra Rahm er billedkunstner med base i Bergen. Hun er utdannet ved Kunstakademiet i Bergen og Stockholms universitet. I sin praksis interesserer hun seg for mikro-historie, historiefortelling og sted. Hun har i flere prosjekter jobbet i dialog med lokalsamfunn, for å la deres fortellinger og stemmer bygge et portrett av et sted.

View Event →
Oct
16
to Nov 7

Gjødsel av Arne Rygg.

IMG_20210804_142338ed2.jpg

Gjødsel (gjøre god) 

Utstillingen Gjødsel (gjøre god) er satt sammen av avfall, brukte gjenstander og lys. Den har som utgangspunkt: - at Galleri Christinegaard opprinnelig var en møkkakjeller, - at vi på norsk har over 50 ord for møkk, - at ordet ‘gjødsel’ kommer av av norrønt gǿða, ‘gjøre god’, - at ‘hevd’ (norrønt hæfr) er det som er ‘verd å ha’ - og at også ‘renessanse’ er å finne som synonym for ‘gjødsel’.

Arne Rygg er utdannet ved Kunstakademiet i Bergen og Universitetet i Bergen. Han er medlem av Bergen ateliergruppe og Norsk billedhoggerforening.

ÅPENT LØRDAG OG SØNDAG FRA KL 12:00 TIL KL. 16:00

View Event →
Sep
18
to Oct 10

Janne Nes

SANS FARGE

Tekstil

Fargen kommer først.
Så kommer form, overflate, masse, størrelse, letthet ...

Installasjonen SANS FARGE består av florlette, fargede silkeflak. De danner et opplevelsesrom man går inn i og som oppdages gradvis – bit for bit og uten at vi egentlig får oversikt. Alt skifter, ulike fargesjikt overlapper på stadig nye måter og gir stadig nye bilder. Silken er lett og gjennomsiktig og veier nesten ingenting, men rommet fylles av fargene.

ÅPENT LØRDAG OG SØNDAG FRA KL 12:00 TIL KL. 16:00

View Event →
Apr
17
to May 2

"Eit punktum er ikkje ein harelort…" av Brynhild Winther

ÅPNING TORSDAG 15. APRIL KL. 18:00 - 21:00

Utstillingen er støttet av Norsk Kulturråd

B.G.W.jpeg

Det var den dagen Haren sat og stirra ned i boka eg prøvde å lese, slik at eg ikkje klarte konsentere meg. Så peika han på noko på den eine sida, og sa at menneskespråket er fullt av kaninhol. Du nemner aldri dei svarte prikkane, når du les høgt for meg, sa han. Men det er mange av dei, så dei må vere viktige. Eg peika på eit punktum, og lurte på om det var slike han meinte. Så forklarte eg at punktum er nesten det same som ein kallar «sorte hull», og om ein klarar å kome inn i eit av desse, finn ein alt som ligg utanfor språket. Alt ein ikkje kan forklare med ord. Alt som ikkje får plass i ein ordleg, lineær logikk. Der setninga sluttar, startar vegen som fører til det som ligg utanfor ord. Utanfor definisjonar. Det som ikkje kan setjast i bur, eller puttast i boksar med merkelappar på. Eg trur dette var første gong Haren og eg var helt samde om noko. Kanskje betyr det berre at me eigentleg ikkje forstod kvarandre. Så sa eg at det er litt dumt at harar ikkje lagar kaninhol. Eit punktum er ikkje ein harelort… Denne utstillinga er ei av fem utstillingar, kor eg ser på ulike aspekt av relasjonar mellom harar, kaninar, og andre folk. I denne utstillinga fokuserar me på den mørke sida til kaninane, og det ikkje-definerte som løper fritt i mellomromma mellom definisjonar og kategoriar. Utstillinga består av teikningar, foto, og tekstil-skulptur. Dei andre utstillingane blir vist i Bærum Kunsthall (2020), Visningsrommet USF (2020), Møre og Romsdal Kunstsenter (2020), og Haugesund Kunstforening (2021). Utstillingane inneheld ikkje dei same arbeida, bortsett frå den i Bærum Kunsthall, og den i Visningsrommet USF.

View Event →
Mar
6
to Mar 21

"Solariserte Landskap" av Tone Saastad

VI HAR INGEN VERNISAGE, MEN ÅPNER DØRENE LØRDAG 6. MARS KL 12 TIL 16
UTSTILLINGEN ER ELLERS ÅPEN HVER LØRDAG OG SØNDAG FRA 12:00 TIL 16:00

Siste utstillingsdag er 21.03. 2021


IMG_8707.jpg

Solarisasjon: en delvis eksponert film utsettes for mer lys, med halo-lignende effekter som resultat. Solarisasjon, Solaris, sol/skygge, lys/mørke.

Farger er opplevelse av lys, på overflater som treffer øyet med ulike bølgelengder. Digital solarisasjon utjevner og inverterer fargene. En liten, overflødig, avrevet silkerest fra et håndtrykket tekstilarbeid er utgangspunktet for de to digitalt trykkede tekstilene som presenteres i galleriet. Farger mister sin brilliants og mørkner i takt med lyset. Ikke noe mørke uten lys, ingen skygge uten sol. To sider av samme sak.

Tone Saastad (f. 1955) er født og oppvokst på Otta i Gudbrandsdalen. Hun tok sin kunstutdannelse i Bergen (1976 – 80), hvor hun også bor og i dag har en førsteamanuensis-stilling ved Kunstakademiet - Institutt for samtidskunst.

 Med bakgrunn i det tekstile materialet, viser utstillingstittelen til et stopp i en lang prosess der farge og fargen per se har vært ledetråd og motivator, ikke som en systematisk studie, men basert på en personlig logikk og motivasjon. Saastad har i de senere årene brukt det tekstile materialet som medspiller i romlige installasjoner, som både har tatt for seg fargen som lys; videoprojeksjoner og som pigment; i fysisk form. Det siste er tilfelle også i denne utstillingen som består av to tosidige romlige plan som måler 120 x 600cm.

View Event →
Feb
6
to Feb 28

"Wall of Thuja" av Patrik Entian

Vi har ingen vernisage, men åpner dørene lørdag 6. februar kl 12 til 16
UTSTILLINGEN ER ELLERS ÅPEN hver LØRDAG OG SØNDAG FRA 12:00 TIL 16:00

SISTE DAG SØNDAG 28. februar kl. 16:00

Wall of thuja.jpg

Utstillingen Wall of Thuja består av oljemalerier jeg har utført i hagen hjemme i Drammen under året som gått. Fra vårens og sommerens blomstringstid da oljemalingen fløt som smør, via en regnfull høst når Østland ble til Vestland, videre inn i et merkelig blomstrende november og enda mer regn, for så å overgå i et solfylt januar med rimfrost på paletten. Maleriene er direkte eksponert av årstider, vær, temperatur, og hvordan alt dette, og mye annet, har påvirket mitt dagshumør. De dokumenterer villahagens vekster og geografi, iblant presist men like ofte ukontrollert på grunn av omstendighetene.

Turene har gått til de ytre strøk, blant peoner, fenrikshjerter og bringebærriset tett opp til naboen Liv, og videre inn mot dunkle nitrogenrike kompostbingene bak drivhuset. Den vanligste hekkveksten rundt omkring i vårt villastrøk er tujaen. Sypressveksten troner overalt og danner tette murer til hemmelighetsfulle verdener der bakenfor. Iblant høres lyder av små og store mennesker, men vi ser aldri noen. Om sommeren kjenner man duften av noe kjøttaktig og ser røyken stige. Men for det meste en massiv stillhet. Jo mørkere årstid desto tydeligere fremtrer disse evig grønne figurene, hvilket har fått mine malereiser å alt oftere ende opp der til tonene av Verona grönjord og Cyprisk Umbra.

I Italien rammes døden inn med sypresser. De høye figurene står tett sammen og vokter kirkegårdene. Der som her vet jeg ikke om det er noe utenfor som skal hindres i å slippe inn, eller om det er det som er innenfor som ikke skal slippe ut? Hva vet vi egentlig? Det kan jo like gjerne være vi som er murt inne.

 Varmt velkommen!

View Event →